Poema
inspirado nos painéis que Júlio Resende desenhou para o monumento que devia ser
construído em Sagres
I
Nenhuma ausência em ti cais da partida.
Movimento ritual, surdo rumor de búzios,
Alegria de ir ver o êxtase do mar
Com suas ondas-cães, seus cavalos,
Suas crinas de vento, seus colares de
espuma,
Seus gritos, seus perigos, seus abismos
de fogo.
Nenhuma ausência em ti cais da partida.
Impetuosas velas, plenitude do tempo,
Euforia desdobrando os seus gestos na
hora luminosa
Do Lusíada que parte para o universo puro
Sem nenhum peso morto, sem nenhum obscuro
Prenúncio de traição sob os seus passos.
II
Regresso
Quem cantará vosso regresso morto
Que lágrimas, que grito, hão-de dizer
A desilusão e o peso em vosso corpo?
Portugal tão cansado de morrer
Ininterruptamente e devagar
Enquanto o vento vivo vem do mar
Quem são os vencedores desta agonia?
Quem os senhores sombrios desta noite
Onde se perde morre e se desvia
A antiga linha clara e criadora
Do nosso rosto voltado para o dia?
Sophia de Mello
Breyner Andresen
Mar Novo, Guimarães Editores, Lisboa, 1958
Um “mar novo” nunca navegado
Faculdade de
Belas Artes do Porto mostra projecto com que Barata Feyo, João Andresen e Júlio
Resende venceram em 1956 o concurso para o Monumento ao Infante, em Sagres. Um
projecto que não chegou a sair do estirador e que seria substituído pelo Padrão
dos Descobrimentos… em Lisboa.
Público, 2 de Dezembro de 2017, 9:00
“Nenhuma ausência em ti cais
da partida./ Movimento ritual, surdo rumor de búzios,/ Alegria de ir ver o
êxtase do mar/ Com suas ondas-cães, seus cavalos,/ Suas crinas de vento, seus
colares de espuma,/ Seus gritos, seus perigos, seus abismos de fogo.”
Sophia de Mello Breyner Andresen
Sophia de Mello Breyner Andresen
Até agora, só conhecíamos aquilo que poderia ter sido uma das mais
marcantes peças de arte pública do país por documentação dispersa, uma ou outra
peça mostrada aqui e ali, e por estes versos de Sophia. Hoje podemos ver mais
de perto aquilo que seria o grande monumento dedicado ao Infante D. Henrique
(1394-1460) e projectado para o promontório de Sagres em meados do século XX
numa exposição na Faculdade de Belas Artes da Universidade do Porto (FBAUP).
Intitulada Mar
Novo, a exposição,
que estará patente até 3 de Março, repete o nome do projecto apresentado a
concurso em 1956, e que foi também o nome do livro onde Sophia incluiu a sua
leitura de um sonho que fora projectado pelo seu irmão João Andresen
(1920-1967), arquitecto, pelo escultor Salvador Barata Feyo (1899-1990) e pelo
pintor Júlio Resende (1917-2011).
Os três artistas da Escola do Porto, com o apoio de engenheiros do
LNEC, constituíram uma das 49 equipas participantes no concurso internacional
lançado em 1954 pelo Estado Novo tendo em vista a construção de um Monumento ao
Infante, que abrilhantasse, no lugar mítico de Sagres, as comemorações do V
Centenário da Morte de D. Henrique, em 1960.
Sem que se conheçam as razões da decisão, o Governo de Salazar
deixou cair esse projecto, e substituiu-o pela recuperação e transformação em
pedra da escultura efémera que Leopoldo de Almeida tinha desenhado, duas
décadas antes, para a Exposição do Mundo Português (1940), em Lisboa – o Padrão
dos Descobrimentos.
Foi em reacção a esta decisão, nunca verdadeiramente explicada, que
o historiador e crítico de arte José-Augusto França, num artigo de jornal em
Março de 1957, lamentou a perda dessa "primeira oportunidade de haver em
Portugal uma amostra de arquitectura viva, honrada e actual", e que Sophia
escreveu o Poema inspirado nos
painéis que Júlio Resende desenhou para o monumento que devia ser construído em
Sagres.
“Não se conhecendo as razões oficiais para a desistência, creio que
elas terão estado relacionadas tanto com as pressões centralistas para se
investir num monumento em Lisboa como com a difícil relação custo-benefício que
a construção do projecto Mar
Novo num lugar tão recôndito como Sagres então teria”, diz ao
PÚBLICO Lúcia Almeida Matos, curadora da exposição na FBAUP, integrada nas
comemorações do centenário de Júlio Resende.
A mostra Mar
Novo concretiza um projecto já antigo desta historiadora de
arte, que teve conhecimento dos sucessivos episódios em volta da construção de
um Monumento ao Infante quando fez a sua tese de doutoramento sobre a Escultura em Portugal no Século XX
(1910-1969), posteriormente publicada pela Fundação Gulbenkian e
pela Fundação para a Ciência e a Tecnologia (2007).
Neste trabalho, Lúcia Almeida Matos recorda que o concurso de 1954
era já o terceiro que o Estado Novo lançava com o mesmo objectivo, depois dos
realizados na década de 30: o primeiro fora vencido por Rebelo de Andrade
(arquitecto) e Rui Gameiro (escultor); o segundo, pelo arquitecto Carlos Ramos,
Almada Negreiros e o já citado Leopoldo de Almeida. Nenhum deles passara também
do papel e do estirador.
Colaboração das artes
Ainda que seguindo algumas linhas que já então pontuavam as encomendas
escultóricas de grande ambição no país, Mar
Novo é de algum modo um projecto pioneiro na “colaboração das
três artes – arquitectura, escultura, pintura – como um esforço consciente para
atingir um efeito visual coerente”, nota Lúcia Almeida Matos, directora do
museu da FBAUP.
Curiosidade histórica é também o facto de a presente exposição ser
apresentada na mesma sala onde em 1956, na 5.ª Exposição Magna das Belas Artes
do Porto, foi mostrado o projecto vencedor do concurso, e que na altura foi
também visto, disse João Andresen, como “uma grande vitória para a [nossa]
Escola”.
“Além desta feliz circunstância simbólica, quisemos na exposição
criar um ambiente sugestivo, que se aproximasse da situação de uma obra em
processo, e que respondesse também à memória descritiva do projecto, mesmo se
ele tem um carácter um pouco hiperbólico”, nota a curadora.
A disposição cénica das peças, as cores, a luz e as projecções que
agora reconstituem Mar Novo remetem-nos,
de facto, para essa “história de pasmar” com que os autores do projecto
conquistaram o júri do concurso de 1956. À entrada, uma fotografia de Teófilo
Rego (1914-1993) documenta a exposição realizada nesse ano na Exposição Magna
promovida por Carlos Ramos, o grande artífice das medidas que, nessa década de
50, criaram a fama da Escola do Porto.
Ao longo das paredes, novas fotografias de Rego – cujo espólio,
reunido na Casa da Imagem, em Gaia, foi fundamental para a reconstituição do
projecto – e fotomontagens feitas a partir dos estudos originais dos três
artistas dão a conhecer as várias fases e faces do monumento.
Organizado em três praças e distendido por um percurso de cerca de
um quilómetro ao longo do promontório, Mar
Novo começava com uma caravela numa rosa-dos-ventos a evocar a
História Trágico-Marítima e terminava com “o vulto grandioso do Infante” (16
metros de altura) esculpido por Barata Feyo. Mas o núcleo central do monumento
era uma cripta escavada no solo, que acolheria um museu com uma sala do Mundo
Revelado pelos Descobrimentos portugueses, e também um altar e uma biblioteca.
Foi para este espaço que Júlio Resende criou “uma das maiores
decorações murais [então] existentes no mundo”, com um mosaico vidrado com 1600
m2, como se pode ler na memória descritiva.
Nesta exposição, cortesia do Lugar do Desenho/Fundação Júlio
Resende, e também de coleccionadores privados, além de instituições como o LNEC
– e a amostragem das máquinas e testes então realizados por este laboratório
será uma das sua principais mais-valias –, podem admirar-se os estudos, em
originais e reproduções fotográficas, realizados pelo pintor da Ribeira Negra. E também uma
maqueta em bronze (escala 1/1000) da estátua do Infante – da qual, após ter
fracassado o projecto Mar
Novo, Barata Feyo fez uma versão adaptada para uma praça de
Brasília.
Projectada num dos cantos da sala encontra-se o estudo para a
decoração da abóbada, com o mural a evocar a epopeia dos portugueses neste
monumento que, segundo os seus autores, teria o valor de “uma síntese plástica
das Descobertas (…), um gesto circular e ascensional, que nascendo da Terra tão
portuguesa de Sagres desaparece no Céu”.
“Poema inspirado nos painéis que Júlio Resende desenhou para o
monumento que devia ser construído em Sagres”, Por Nathália Nahas
Grades
apresenta também um questionamento sobre um dos símbolos políticos de Portugal:
as grandes navegações. Isso ocorre especialmente em três poemas: “Poema inspirado
nos painéis que Júlio Resende desenhou para o monumento que devia ser
construído em Sagres”, “Regresso” e “Lusitânia”.
O poema “Regresso”
é publicado originalmente no livro Mar Novo (1958) como a segunda parte
de um poema maior composto em duas partes, “Poema inspirado nos painéis que
Júlio Resende desenhou para o monumento que devia ser construído em Sagres”,
apresentando o título “Regresso”239.
Em Grades,
“Poema inspirado...” aparece dividido em dois textos distintos, assim os poemas
aparecem seguidos um do outro, mas desvinculados.
Temos “Poema
inspirado nos painéis que Júlio Resende desenhou para o monumento que devia ser
construído em Sagres”:
Nenhuma ausência em
ti cais de partida.
Movimento ritual.
surdo rumor de búzios,
Alegria de ir ver o
êxtase do mar
Com suas
ondas-cães, seus cavalos,
Suas crinas de
vento, seus colares de espuma,
Seus gritos, seus
perigos, seus abismos de fogo.
Nenhuma ausência em
ti cais da partida.
Impetuosas velas,
plenitude do tempo,
Euforia desdobrando
os seus gestos na hora livre e clara240
Do Lusíada que
parte para o universo puro
Sem nenhum peso
morto, sem nenhum obscuro
Prenúncio de
traição sob os seus passos.241
E “Regresso”:
Quem cantará vosso
regresso morto
Que lágrimas, que
grito hão de dizer
A desilusão e o
peso em vosso corpo?
Portugal tão
cansado de morrer
Ininterruptamente e
devagar
Enquanto o vento vivo
vem do mar
Quem são os
vencedores desta agonia?
Quem os senhores
sombrios desta noite?
Onde se perde morre
e se desvia
A antiga linha
clara e criadora
Do nosso rosto
voltado para o dia?242
Os
painéis de Júlio Resende eram parte do seu projeto “Mar Novo”, que trazia o plano
de um monumento ao Infante Dom Henrique à cidade de Sagres, no sul de Portugal.
Para a escolha da obra de arte que faria homenagem ao Infante, foi criado um concurso
que reuniu diversos artistas. Elaborado em 1956, o projeto “Mar Novo”, homônimo
ao livro de Sophia Andresen, era resultado do trabalho de Resende em conjunto
com o arquiteto João Andresen, irmão da autora, e o escultor Barata Feio e foi escolhido
como o plano vencedor. No entanto, o monumento e os painéis não foram construídos,
uma vez que Salazar não teria simpatizado com os desenhos.
Desde o
início do Estado Novo, a cidade de Sagres já tinha sido centro de outros dois
concursos de intervenções artísticas e arquitetônicas que visavam homenagear a cidade
e o Infante Dom Henrique de Avis, conhecido como Infante de Sagres ou O Navegador.
A partir desses projetos, o governo buscava fortalecer um dos principais temas
da história portuguesa, as navegações, as quais tinham nessa cidade seu mais importante
centro entre os séculos XV e XVI.
Considerando-se
que “Regresso” é, originalmente, a segunda parte de um poema que
tematiza as navegações, é necessária a leitura em conjunto com a parte I do
poema, o qual mostra a questão das navegações vista de duas perspectivas
distintas. Em um primeiro momento (parte I), a voz poética exalta o instante da
partida, ressaltando o “êxtase do mar” e a expectativa dos homens que o
desbravarão.
O poema I
traz adjetivações ao momento da partida comuns à escrita de Sophia Andresen. A
hora é livre e clara, o universo, puro; e o tempo é marcado por sua plenitude.
As naus são descritas por meio de suas “impetuosas velas”, termo que nos permite
compreender tanto a força quanto a paixão da obstinada missão dos navegantes lusitanos.
O texto traz duas estrofes de verso livre, totalizando doze versos, seis em
cada trecho.
A
primeira estrofe inicia-se com a imagem do cais de partida, o qual é o interlocutor
da voz poética. Nele não há nenhuma ausência, e o movimento dos homens que
carregam o barco é descrito como um ritual. Os búzios, tipo de conchas usadas
para produzir instrumentos de som, como uma espécie de buzina, fazem um “surdo
rumor”. É nesse ambiente que os marinheiros se reúnem para partir com alegria e
entusiasmo em direção ao mar e suas ondas. A presença desses homens no cais
une-se à alegria de “ir ver o êxtase do mar”, cujos elementos são trazidos a
partir de metáforas de animais: as ondas são cães e cavalos.
Os “cães”
podem ser lidos como ondas que avançam, e o cavalo é uma imagem ligada às ondas
pelo seu movimento ao se levantarem movidas pelo vento e pela maré. O cavalo,
assim como o cão, dá à onda uma imagem robusta e forte, um pouco selvagem, onde
há gritos e perigos. O mar atrai os marinheiros, mas é também um desconhecido.
Suas ondas tornam-se crinas e sua espuma um colar que adorna esse selvagem
elemento.
O diálogo
com o cais continua na segunda estrofe, na qual a voz poética descreve as velas
das embarcações como impetuosas, elas unem em si, ao mesmo tempo, a rapidez e a
violência. São as velas que rasgam as ondas no mar no movimento do desbravar. O
momento de partir é o da plenitude, é quando os homens estão completos pela
euforia e pelo desejo de descobrir e de conquistar. A hora da partida é livre e
clara, termos recorrentes na obra Sophia Andresen. O tempo é o da liberdade, que
se acentua pela clareza, a qual pode ser lida como a luminosidade do momento da
partida, geralmente o dia, ou como a clareza da determinação, da certeza
daquilo que motiva os marinheiros, ou seja, sua força desbravadora.
Os
últimos versos encerram-se na imagem do Lusíada “que parte para o universo
puro”, ou seja, o mar selvagem e a terra indômita, puros como a natureza os definiu.
Na partida, os marinheiros saem leves e eufóricos, não tocados pelo medo ou pela
morte, acreditando em seu predestinado caminho de desbravar o mar. Sua alegria não
cede à desconfiança da traição que os perigos do mar e da terra revelam, mas
eles não desconfiam também da extensão que as grandes navegações teriam no
futuro. São marinheiros puros que ainda não sabem da grandeza que conquistarão
para sua nação lusitana. Por isso, eles partem “Sem nenhum peso morto, sem
nenhum obscuro/ Prenúncio de traição sob os seus passos”.
O caráter
de esperança e veemência das navegações que aparece no “Poema inspirado...”
contrasta com a perspectiva sombria do poema “Regresso”, o qual opõe
o luminoso tempo das descobertas ao presente sombrio e moribundo
do regresso dos soldados vindos da guerra do ultramar, náufragos recém-chegados
de uma batalha que ninguém vence: “Portugal tão cansado de morrer”.243
Assim, o grande símbolo das
navegações tem nos poemas a imagem da partida, cheia de ilusões e esperança, e
o regresso, que aparece desesperançoso e agônico.
Esse
poema estrutura-se na forma de um longo questionamento, quase um diálogo, entre
a voz poética e interlocutor grandioso, a nação portuguesa, cuja referência aparece
por meio do pronome possessivo “vosso”. A voz poética pergunta a seu interlocutor
quem cantará o regresso, mas essa volta não é algo alegre, é o regresso morto.
Aquele que foi regressou morto, e o seu corpo pesa pela desilusão e pela
própria morte. Que honra há nessa morte para que ela seja cantada?
A morte é
cantada como glorificação do sacrifício dos navegadores que morrem e nunca
voltam à sua terra em nome da conquista de novos territórios. O canto à morte desses
homens é parte essencial da literatura portuguesa, sobretudo no épico Os Lusíadas,
de Luís Vaz de Camões, e na obra Mensagem, de Fernando Pessoa. No entanto,
em “Regresso”, a voz poética promove uma reflexão incisiva: quem cantará
o retorno da morte? Que honra há nesse canto? Como observa Helena Malheiro244,
“Regresso” pode ser lido como eco do poema “Nevoeiro”, de Mensagem:
Nem rei nem lei, nem paz nem guerra,
Define com perfil e ser
Este fulgor baço da terra
Que é Portugal a entristecer245
Portugal,
em “Regresso”, aparece por meio de seu retorno morto e de seu corpo, que
pesa pela morte e pela desilusão. Na leitura em conjunto com o poema I, podemos
ler esse corpo como a pessoa coletiva dos desbravadores que representam Portugal:
o êxtase de outrora tornou-se morte e desilusão.
Esse
sentimento incita uma ampla reflexão: se pensarmos nos marinheiros de “Poema
inspirado...”, temos a ilusão daqueles que se lançaram ao mar cheios de expectativas,
tomados pela “alegria de ir ver o êxtase do mar”. A euforia das navegações –
pelo desbravar de novas regiões e pela fama dessa conquista – levou muitos
portugueses a essa missão, consolidando o passado glorioso e rico do país, o qual
se baseou, durante muitos séculos, em seu poderio marítimo e na construção de
um império.
Os
agentes desses trabalhos têm suas mortes cantadas, a agonia de morrer transforma-se
na imortalidade da honra. O medo dos perigos do mar, das tormentas e de ambientes
desconhecidos engrandecem o feito da descoberta, e os riscos enfrentados e superados
em nome do país, por meio de muitas mortes, fazem das navegações e das descobertas
um dos maiores símbolos da identidade portuguesa, como afirma a voz poética de
Pessoa no poema “Primeiro / D. Sebastião”246:
Que importa o areal e a morte e a desventura
Se com Deus me guardei?
É O que eu me sonhei que eterno dura,
É Esse que regressarei.
Mas, em “Regresso”,
o arquétipo das navegações aparece por meio do questionamento sobre a grandeza desse
símbolo, na medida em que ocorre uma “quebra” do ideal de gloria promovido
historicamente pelas conquistas e pelo império estabelecido por Portugal.
Assim, os navegadores são ao mesmo tempo a força e a morte, a coragem e a
tristeza. E, se eles representam a nação portuguesa, o próprio país apresenta-se
por essa antítese. Nesse sentido, o aspecto dúbio da figura dos desbravadores
se estende à glorificação das navegações que representam a força e a grandeza
de uma nação que se torna morte.
Essa
ideia é mais bem explicada na segunda estrofe, na qual temos um Portugal que
foi, mas regressa morto e desiludido, o que é reforçado pela questão temporal marcada:
“Portugal tão cansado de morrer / Ininterruptamente e devagar / Enquanto o vento
vivo vem do mar”. É possível fazer um paralelo, a partir de “tão cansado de morrer”,
com uma ideia de linearidade temporal: a nação morre aos poucos, mas progressivamente.
A que mortes fazem referência esses versos? Podemos pensar nas mortes causadas
pelas Navegações, os valentes desbravadores que morreram no mar, nas terras
novas, nos caminhos e lutas para a sua conquista. Afinal, esse era o destino sagrado
do português, unir toda a terra separada pelo mar, como diz a voz poética pessoana:
Deus quer, o homem sonha, a obra nasce.
Deus quis que a terra fosse toda uma,
Que o mar unisse, já não separasse.
Sagrou-te, e foste desvendando a espuma.247
Este era
o fado português: a conquista das terras e a criação de um império formaram o
ideal de seu povo. Mas essa consagração veio à custa de muitas mortes. E outras
tantas causou. O Império Português e a morte caminham juntos: muitos homens morreram
para que a conquista nascesse e vivesse, mas agora a voz poética andreseniana
questiona: o ideal vive ou ele vem morrendo, uma vez que a nação está cansada
de tantas mortes?
Tal ideia
nos leva a pensar a morte de Portugal como uma metáfora para a estagnação do
país no contexto em que Sophia Andresen elabora seu poema: a ditadura militar.
Portugal, seguido da Espanha, apresenta seu passado glorioso e um feito que modificou
toda a estruturação mundial, e não conseguiu manter essa grandiosidade em seu
desenvolvimento. O triunfo do passado, porém, desvanece morrendo aos poucos, enquanto
o mar continua a soprar seus ventos. A glória cantada no presente é a grande conquista
de outrora, pois o país há, tempos estagnado, tem sua imagem pautada em um feito
que não se aplica mais à realidade lusitana, algo já cantado por Fernando
Pessoa no poema “I. O infante”:
Quem te sagrou criou-te português.
Do mar e nós em ti nos deu sinal.
Cumpriu-se o Mar, e o Império se desfez.
Senhor, falta cumprir-se Portugal.248
A voz
poética de Pessoa afirma que faltou a Portugal cumprir-se. E essa ideia é resgatada
por Sophia Andresen na morte contínua expressa no verso “Portugal tão cansado
de morrer”. É a decadência do país presente na fala da voz poética. É um povo que
foi “farol dos mundos”, como observa Eduardo Lourenço, e está “agora convertido
na ‘lanterna vermelha das nações civilizadas’”.249 O presente não
apresenta mais a grandeza do passado, pois o seu trunfo não foi sustentado, foi
se perdendo aos poucos.
Essa
imagem da morte lenta da nação lusitana torna-se ainda mais forte se considerarmos
que Portugal, no final do século XIX250 volta a ser visto como uma nação
colonizadora, dessa vez no continente africano. No século XX, a relação de Portugal
com os territórios de Moçambique e Angola é extremamente intensificada, o que
leva a movimentos de resistência e combate nesses locais. No final da década de
1950, na qual Mar Novo é publicado, as Forças Armadas de Portugal passam
a enfrentar uma série de conflitos ligados à manutenção dessas terras, levando
à morte de muitos portugueses e africanos.
Essa
tensão também pode ser recuperada pela imagem de “Portugal tão cansado de
morrer”. O império português é uma antítese da glória à custa de vidas, e esse modelo
não traz mais o triunfo à nação, e sim a perda da vida de muitos homens, estagnação
política e econômica, analfabetismo e miséria. Na segunda metade do século XX,
as antigas colônias europeias vêm lutando por sua independência. Não há mais força
no papel da metrópole colonizadora. Porém, Portugal mantém-se nessa posição, acreditando
na grandiosidade de um império que não mais existe. Temos, assim, a morte
denotativa de homens, e o símbolo de grandeza e glória se desfaz.
O vulto
do Império, de sua grandiosidade e de sua influência marca a importância
histórica de Portugal, no entanto ela não é o presente, e sim o passado. Como
observa Eduardo Lourenço,
Das duas componentes originais de nossa existência histórica – desafio
triunfante e dificuldade de assumir tranquilamente esse triunfo – aprofundámos
então, sobretudo, a nossa “dificuldade de ser” [...], a histórica dificuldade
de subsistir com plenitude política. Tornou-se então claro que a consciência
nacional [...], a nossa razão de ser, a raiz de toda a esperança, era o “termos
sido”.251
É este o
questionamento de “Regresso”: quem há de cantar essa morte sem glória,
envolta em lágrimas e desilusão? A antítese da segunda estrofe reforça o peso dessa
morte: a vida vem do mar, através dos ventos. O mar, grande símbolo do império português,
vive. A nação é que morre lentamente. A lentidão desse processo contrasta com o
movimento vivo do mar e do vento. Esse conflito intensifica a estagnação e a decadência
se estende em Portugal.
Tal
indagação torna-se mais intensa se pensarmos que ela ocorre durante a ditadura
salazarista, ou seja, momento em que os símbolos nacionais portugueses são enaltecidos
como forma de fortalecimento do nacionalismo. O governo de Salazar baseava-se
na exaltação dos valores “Deus, pátria e família”. Como em muitos outros governos
autoritaristas, Salazar e o Estado Novo “apostavam na educação para manipular
opiniões para uma ação e comportamento dentro da ideologia que se pretendia implementar
e desenvolver na sociedade portuguesa”252. Além disso, o governo
salazarista buscou moldar a imagem do bom português recuperando a figura do homem
da época das grandes navegações, como observa Paula Morais:
Ao longo de cerca de quarenta anos, o regime ditatorial
português procurou implementar uma imagem ideológica do país que funcionasse
como um meio de congregar toda a população, na medida em que cada português se
identificaria com esse retrato. Se a partir de meados do século XIX se criou a
consciência de que cada povo teria traços identitários que os distinguiriam de
todos os outros, emergindo as chamadas identidades nacionais, no Portugal
salazarista vai implementar-se a construção de discursos sobre o país e os seus
habitantes que vão privilegiar um conjunto de características reveladas nos
portugueses de épocas anteriores, mais concretamente a dos Descobrimentos.
Recuperando uma imagem de Portugal que, desde sempre, tem acompanhado o
percurso evolutivo deste país, o Estado Novo difunde-o como algo novo e
impossível de ser questionado ou refutado, uma vez que esse construto emana dos
detentores do poder e, por isso mesmo, ele é visto como legítimo.253
O culto à
pátria e a seus símbolos históricos funciona como um mecanismo de aparência agregadora
e integradora, mas, na prática, é um instrumento de manipulação ideológica para
a manutenção da ordem e do poder autoritário. Assim, a morte na segunda estrofe
também pode simbolizar o cerceamento do pensamento e a controle ideológico que
esse regime impunha a seu povo.
Nesse
contexto, podemos pensar numa relação temporal que contempla passado, presente
e futuro. O passado refere-se às conquistas marítimas e às gloriosas navegações
que modelam o povo português, construindo sua cultura, seu reconhecimento e seu
território. O presente relaciona-se ao questionamento desses símbolos e ao
significado da ruptura do povo com sua terra causado pela ditadura. O futuro
pode ser entendido a partir da continuidade da morte dada pelos versos
“Portugal tão cansado de morrer / Ininterruptamente e Devagar”. O povo parece
agonizar na repetição de estruturas já condenadas por outras nações europeias,
como a colonização. A sua força criadora, “A antiga linha clara e criadora / Do
nosso rosto voltado para o dia”, é abafada pela imagem trágica de Portugal por
meio dos “senhores sombrios desta noite”. A grandeza de Portugal se arrefece
continuamente nesse momento obscuro e de agonia que a ditadura instaura no
país.
O porvir
aparece pelo olhar de descrença da voz poética, a qual mostra que o caráter de
força e conquista do povo português, denotado pela imagem da “antiga linha clara
e criadora / Do nosso rosto voltado para o dia” está assombrado pela agonia do presente
e desviado pela morte que parece ser o destino de sempre da nação. A imagem de
“nosso rosto voltado para o dia” é uma metáfora para o povo português. Os dois últimos
versos do poema falam da força de um povo criador que está abafada pela agonia
do presente. Essa ideia pode ser relacionada ao poema “Os castelos”, de Fernando
Pessoa, em que Portugal aparece como o rosto da Europa:
[...]
Fita, com olhar esfíngico e fatal,
O Ocidente, futuro do passado.
O rosto com que fita é Portugal.254
Através
do olhar português, a Europa olha para o Ocidente, a América, que representa o
“futuro do passado”, isto é, o Novo Mundo em relação ao Velho. O pequeno país
redimensiona o continente europeu, trazendo-lhe novos domínios e novas conquistas.
Portugal projeta no Ocidente um futuro resultante dos seus grandiosos planos de
conquista, a partir de um olhar “esfíngico e fatal”.
Esse olhar
pode ser lido a partir da noção enigmática que o termo “esfinge” suscita, pois
se refere a um “monstro fabuloso com corpo, garras e cauda de leão, cabeça de
mulher, asas de águia e unhas de harpia, que propunha enigmas aos viandantes e
devorava quem não conseguisse decifrá-los”.255 Assim, o adjetivo
sugere, ao mesmo tempo, a ideia de mistério e de voracidade, o que é
intensificado pelo adjetivo “fatal”. É dessa maneira que a voz poética pessoana
descreve Portugal, já que a nação é o rosto que observa o Ocidente.
No poema
andreseniano, Portugal também aparece a partir da ideia do rosto, cuja linha
clara e criadora está voltada para o dia, porém é antiga. A linha pode ser lida
como a força motivadora e transformadora que levou os homens portugueses a aventurar-se
e a desbravar o mundo, trazendo triunfos essenciais para a sua nação. No entanto,
esse caráter é marcado pelo adjetivo “antiga”, pois no presente o povo está oprimido
e subjugado pelos “senhores sombrios desta noite”. O termo “desta” reforça uma noção
de presente no poema, mostrando que o momento atual é assombrado pela agonia,
colocando também em dúvida o futuro. O “nós” – de o “nosso rosto” – parece agonizar
na sua força de criar o futuro – compreendido pela imagem do dia, ou seja, do novo
começo. Assim, a voz poética questiona o porvir de uma nação em que o presente está
tomado pela agonia, pela noite e pela morte.
“Regresso”
é elaborado a partir de imagens em tensão – a vida e a morte, o dia e a noite e
a claridade e a sombra – as quais fortalecem o questionamento sobre o futuro a partir
de um presente desolador. Esse conflito também aparece na estrutura do poema de
uma forma mais abrangente. Observamos duas estrofes formadas por três versos e,
ao fim, uma formada por cinco versos. O esquema rímico não é regular, mas os
versos são decassílabos. No entanto, o último verso rompe com essa estrutura,
pois apresenta onze sílabas métricas.
Os
decassílabos de “Regresso” nos lembram dos versos de Os Lusíadas,
mas apresenta uma quebra do esquema métrico, justamente porque não é mais
possível cantar a grandeza de Portugal na mesma forma que outrora. Os versos em
dez sílabas métricas trazem todo o questionamento sobre o passado e o presente
de Portugal em conflito com um futuro de desesperança. O único momento256
em que o verso afasta-se da forma, assumindo onze sílabas, é quando aparece um
traço positivo do texto: o povo português: “a antiga linha clara e criadora /
Do nosso rosto voltado para o dia”. Assim, o desequilíbrio formal ao fim do
poema sugere a desarmonia que assola a nação.
“Regresso”
nos apresenta o canto trágico de uma voz poética que apresenta sua nação
esmagada pelas lágrimas e pela desilusão de um contexto assombrado pela agonia e
pela opressão. É o questionamento de um presente que se pauta pela grandeza de
um passado que não se manteve, que foi, aos poucos, morrendo. É o canto de
angústia de alguém que vê sua nação estagnada e decadente em razão de um regime
que transformou tudo em noite. As questões levantadas pelo poema dialogam com
outros dois textos inseridos em Grades: “Lusitânia” e “Soldado
Morto”. Sobre o passado de conquistas das navegações, temos no primeiro
poema a condição dos desbravadores que sobrevivem com pouco, mas avançam mar
adentro:
Os que avançam de frente para o mar
E nele enterram como uma aguda faca
A proa negra dos seus barcos
Vivem de pouco pão e de luar257.
A quadra,
também retirada de Mar Novo, traz a imagem dos navegadores a partir de
seu movimento de lançar-se ao mar. Aparecem no primeiro verso pela sua coragem ao
avançar “de frente para o mar”, desafiando seus perigos e impondo o seu ímpeto desbravador.
Esse impulso é, porém, marcado pela violência do segundo e terceiro versos, nos
quais os barcos dos bravos marinheiros aparecem como uma “aguda faca” que é
enterrada nos mares. A coragem de jogar-se ao mar é intensificada e torna-se
mais agressiva com a comparação feita a partir da imagem “aguda faca”,
promovendo, assim, uma noção dupla do desbravamento: ele representa ao mesmo
tempo a coragem da nação, mas a sua violência desse processo.
Esse
caráter dúbio também aparece na antítese do verso final: esses navegadores vivem
de “pouco pão e de luar”. A pouca quantidade do alimento contrasta com a grandiosidade
da luz da lua, que, em noites escuras no mar, toma uma extensa dimensão. O luar
também é uma imagem lírica que abranda o caráter violento das navegações, e
“pouco pão” também ameniza a agressividade dos homens que enterram seus barcos
no mar, dando a eles uma leitura mais humanizada. Apesar desse abrandamento,
temos na simples quadra uma intensa reflexão sobre a imagem das navegações que
promove o questionamento sobre a que custo o grande símbolo português se
consolidou.
Tal
questionamento mantém-se em Grades a partir de uma imagem posterior às navegações:
o Império Português. Temos, além de “Regresso”, o poema “O Soldado Morto”,
também extraído de Mar Novo, que se relaciona aos conflitos armados já citados
que ocorriam entre Portugal e suas colônias africanas no final da década de 1950:
Os infinitos céus fitam seu rosto
Absoluto e cego
E a brisa agora beija a sua boca
Que nunca mais há-de beijar ninguém.
Tem as duas mãos côncavas ainda
De possessão de impulso de promessa.
Dos seus ombros desprende-se uma espera
Que dividida na tarde se dispersa.
E a luz as horas as colinas
São como pranto, em volta do seu rosto
Porque ele foi jogado e foi perdido
E no céu passam aves repentinas.258
A morte
dos navegadores mantém-se naquela dos soldados que lutam pelo controle dos
territórios ultramarinos portugueses. Na primeira estrofe, observamos uma antítese
entre a infinitude do céu e a finitude da vida do homem. Os seus olhos não mais
veem e sua boca não mais beijará, somente a brisa agora tocara seus lábios. Os
versos nos remetem à imagem de um corpo estendido e inerte no chão ao vento, a
qual é reforçada pela antítese da passividade do homem e da ação do vento – a
brisa que o beija.
Na
segunda estrofe, as mãos do soldado inerte apresentam-se ainda côncavas “De
possessão de impulso de promessa”, ou seja, estão curvadas ainda na forma da arma
que segurava. As promessas se referem aos discursos de glória que o poder e a vitória
em uma batalha podem oferecer a um guerreiro, mas ao soldado só ofereceu a morte.
Sua vida interrompida enche-se de promessas que nunca poderão ser cumpridas. E
é essa espera que se solta dos ombros do homem já caído no chão, enquanto a
tarde passa.
Somente a
natureza vela seu cadáver, que parece abandonado na terra em que caiu. A voz
poética apresenta um corpo que não mais possui nada. Nem pessoas que choram ao
seu redor. A morte aproxima o homem da natureza, cujos ensejos dispersam-se na
tarde, e apenas o tempo e a natureza rodeiam seu corpo, que foi “jogado e foi perdido”.
De vida, há somente as aves que passam rapidamente pelo céu. Assim, em “Regresso”
e em “O soldado morto” a agonia da morte aparece de forma antitética à vida
da natureza e podemos aproximar a morte tanto dos navegantes como dos soldados como
um questionamento do símbolo português do império.
Essas
reflexões dialogam com o instável período que Portugal enfrentava na época da
publicação de Mar Novo. O Exército português, por um lado, preparava-se para
um possível conflito armado entre Europa e os soviéticos, por outro, mantinha alguns
soldados na África (cerca de sete mil para cada território ultramarino), justamente
para tentar controlar possíveis guerrilhas. Entretanto, como já observamos no
capítulo 2 deste trabalho, o Exército português não estava bem preparado nem
para um combate em suas colônias, nem para um conflito mundial. Haviam ainda
ocorrido na mesma década massacres contra os nativos de São Tomé (Massacre de
Batepá), em 1953 e de Guiné, em 1959. A situação era pouco estável, e os
soldados e nativos enfrentavam a presença constante do conflito.
Podemos
estender as antíteses entre vida e morte e entre conquista e perda dadas por
Sophia Andresen às navegações, em “Regresso”, para os soldados responsáveis
pela manutenção do império português, em “O Soldado Morto”, situação que
causou muitas perdas e angústia às nações envolvidas:
Portugal manteve com as suas então colónias de Angola,
Moçambique e Guiné-Bissau uma Guerra Colonial, mobilizando perto de um milhão
de homens e tocando praticamente todas as famílias portuguesas. A experiência
da participação portuguesa neste evento de indefinida colocação
historiográfica, quer pela denegação que oficialmente o caracterizou, quer pela
radical reformulação geopolítica do país que a partir dele se engendrou com a descolonização,
tornou este acontecimento um dos mais complexos, mas também um dos mais
trágicos eventos da contemporaneidade portuguesa.259
Assim, Portugal é inserido em
Grades a partir de um questionamento sobre o amplo processo político-econômico
das grandes navegações e sobre as consequências da colonização portuguesa,
tanto para o país como para os seus homens.
Os poemas
do primeiro eixo da coletânea aparecem por meio de referências que denunciam e
questionam o aspecto político de importantes culturas que formaram o pensamento
ocidental. Temos vultos históricos – como Catilina – que apresentam sua política
comprometida pela injustiça, pela degradação causada pelo poder, pela corrupção
e pela mentira, aspectos desempenhados por grupos ideologicamente fortalecidos
como os fariseus. As sociedades em que esses vultos estão inseridos, Roma e
Jerusalém, representam elementos fundamentais para o desenvolvimento da Europa
e, consequentemente, do Novo Mundo, como o Direito Romano e a religião cristã.
Nesse sentido, questionar a política dessas culturas é apontar uma reflexão
direta à política do Ocidente, sobretudo a portuguesa.
Portugal,
que também se consolida historicamente como uma sociedade importante para a formação
do Ocidente, aparece nesse contexto em reflexão. Sophia Andresen retoma o feito
histórico e de construção da nação portuguesa para, a partir disso, recolocar
Portugal do seu tempo, um país que se mantém na angústia, sendo destruído aos
poucos nas mãos de um governo ditatorial que sustenta seu poder por meio da
violência e da opressão, abalando, portanto, a possibilidade de construção de um
futuro.
Grades: uma leitura do projeto po-ético de Sophia de Mello
Breyner Andresen, Nathália
Nahas. Dissertação de mestrado apresentada à Faculdade de Filosofia, Letras e
Ciências Humanas da Universidade de São Paulo, 2015
_________________
239 Segundo consta na Obra
Poética, edição de Carlos Mendes de Sousa, 2.ª ed. Alfragide: Editorial
Caminho, 2011, p. 346.
240 No livro Mar Novo,
esse verso aparece de forma diferente: “Euforia desdobrando os seus gestos na hora
luminosa”. A maneira como aparece em Grades é uma forma de enfatizar, além da
luz e da clareza, a liberdade.
241 ANDRESEN, S., Grades.
Lisboa: Publicações Dom Quixote, 1970, 17-18.
242 ANDRESEN, S., 1970, 19.
243 MALHEIRO, Helena, O Enigma
de Sophia: da sombra à claridade. Alfragide: Oficina do Livro, 2008, p.
106.
244 Ibidem.
245 PESSOA, Fernando. Mensagem.
Lisboa: Edições Ática, 1972, p. 104. In: MALHEIRO, 2008, p. 369.
246 PESSOA, F., Mensagem.
São Paulo: Martin Claret, 2006, p.51.
247 PESSOA, F., 2006, p. 39.
248 Ibidem..
249 LOURENÇO, Eduardo, Labirinto
da Saudade. 7. ed. Lisboa: Gradiva, 2010, p. 91.
250 Em 19 de novembro de 1884 e
26 de fevereiro de 1885, houve a Conferência de Berlim, a qual tinha como
objetivo organizar a ocupação da África pelas nações europeias. Portugal
apresenta, durante a Conferência, uma proposta de unir os territórios de
Moçambique e Angola, para facilitar o comércio nas colônias e fortalecer seu
controle, mas o plano não se concretiza, pois a Inglaterra, contrária ao
projeto, pressiona-o. Como resultado da Conferência, o processo de ocupação
militar das colônias africanas de Moçambique e Angola é intensificado e as
relações coloniais são fortalecidas.
251 LOURENÇO, E., 2010, p. 28.
252 CAMPINA, 2013, p.297.
253 MORAIS, P., 2005, p. 04.
254 PESSOA, F., 2006, p. 19.
255 Dicionário Eletrônico
Houaiss.
256 O verso “Quem são os
vencedores desta agonia” é considerado decassílabo a partir da licença poética da
autora que une, na separação, “são” a “os”, formando uma única sílaba métrica.
257 ANDRESEN, S., 1970, p. 23.
258 ANDRESEN, S., 1970, p. 15.
259 RIBEIRO, M.; VECCHI, R.,
2012, p. 28.
