Surf, o poema, Manuel Alegre

Gabriel Medina, fotografado por Jerome Brouillet, 29-7-2024

O POEMA

O poema vai e vem. E se demora
não quer dizer que seja demorado
mas que tem como tudo a sua hora
e como tudo é sempre inesperado.

Por muito que se espere não se espera.
Por mais que se construa é acaso e sorte.
Às vezes quando vem já foi ou era.
Porque assim é a vida. E assim a morte.

Por isso mesmo quando distraído
ninguém como o poeta é tão atento.
Ele sabe que de súbito há um sentido.
Vem como o vento. E passa como o vento.

07-07-2005

Manuel Alegre, Doze Naus. Lisboa, Publicações Dom Quixote, 2007

 

De acordo com a leitura do poema de Manuel Alegre, classifica cada afirmação que se segue como verdadeira ou falsa. Procede à correção das afirmações falsas.

1. O poema afirma que a criação poética é algo previsível e controlado.

2. Segundo o poema, o poeta é alguém que se distrai facilmente e, por isso, não percebe quando um poema surge.

3. O verso "Por mais que se construa é acaso e sorte" sugere que, apesar do esforço e do planeamento na criação do poema, o resultado final pode depender de elementos imprevisíveis e fortuitos.

4. No poema, a morte é apresentada como um evento previsível, ao contrário da vida

5. O poeta, segundo o poema, sabe identificar os momentos em que um poema pode surgir, mesmo que esses momentos sejam súbitos e inesperados.

6. A expressão "O poema vai e vem" sugere a natureza efémera e transitória da criação poética.

7. De acordo com o poema, a espera ativa pelo surgimento do poema é sempre recompensada.

8. O papel do poeta na construção/criação do poema é estar atento para captar os sentidos que, sem aviso, podem passar como o vento e aproveitar essas oportunidades.

9. O poeta deve estar atento e sensível para perceber os momentos de inspiração e dar forma ao poema.

10. Manuel Alegre escreveu sobre si próprio: "Se soubesse pintar (mas não sei) faria o meu autorretrato a olhar para ontem, ou para dentro, ou para outro lado. Distraído-concentrado, presente-ausente, um não sei que." (in http.www.manuelalegre.com). Podemos afirmar que Manuel Alegre ao descrever-se como “distraído-concentrado, presente-ausente,” reflete a sensibilidade do poeta em relação aos sentidos e oportunidades que surgem inesperadamente.

11. A antítese é utilizada no poema para contrastar a criação poética com a distração do poeta.

 

CORREÇÃO

1. Falso. O poema diz que o ato da criação poética "é sempre inesperado."

2. Falso. O poema diz que "ninguém como o poeta é tão atento" mesmo quando está distraído.

3. Verdadeiro.

4. Falso. A morte é apresentada como sendo tão inesperada quanto a vida ("Porque assim é a vida. E assim a morte.").

5. Verdadeiro.

6. Verdadeiro.

7. Falso. O poema sugere que "Por muito que se espere não se espera."

8. Verdadeiro.

9. Verdadeiro.

10. Verdadeiro.

11. Verdadeiro (A antítese é usada para mostrar que "quando distraído / ninguém como o poeta é tão atento.")

 

Nazaré, © Jorge Leal

INTERTEXTUALIDADE

 

SURF

De pé na frágil tábua
onda a onda ele escrevia
poesia sobre a água.

Era uma escrita tão una
de tão perfeita harmonia
que o que ficava na espuma

não se podia apagar:
era a própria grafia
do poema do mar.

Foz do Arelho, agosto de 2001

Manuel Alegre, Doze Naus. Lisboa, Publicações Dom Quixote, 2007

 

Niterói, Luiz Bhering

Análise comparativa entre “Surf” e "O poema", de Manuel Alegre

O poema “Surf” de Manuel Alegre apresenta a figura do surfista como um criador que, de pé na sua frágil tábua, escreve poesia sobre a água. Este ato de criar, mesmo que efémero, resulta em algo harmonioso e perfeito, uma "grafia do poema do mar" que, apesar de ser escrita na espuma, não se pode apagar.

O poema “Surf” pode ser visto como o resultado de uma dessas visões inspiradoras que o sujeito poético em “O poema” descreve: "Por isso mesmo quando distraído / ninguém como o poeta é tão atento. / Ele sabe que de súbito há um sentido. / Vem como o vento. E passa como o vento."

Em “O poema”, o sujeito poético afirma que o poeta está atento ao que o rodeia porque sabe que “de súbito há um sentido”. Esta atenção ao momento presente e a abertura para a inspiração repentina é o que permite ao poeta captar e transformar uma visão ou experiência passageira em arte.

No caso de “Surf”, a visão do surfista escrevendo poesia sobre a água pode ter sido uma dessas inspirações súbitas. A imagem do surfista, em perfeita harmonia com o mar, criando algo belo e efémero, reflete a sensibilidade do poeta em captar e eternizar momentos fugazes. Assim como o poeta em “O poema” percebe que “de súbito há um sentido” e que a inspiração vem e passa como o vento, em “Surf” o ato de surfar torna-se uma metáfora para a criação poética, em que cada movimento na onda é uma linha de poesia escrita na espuma, uma manifestação momentânea de beleza e significado que o poeta eterniza em palavras.

Portanto, “Surf” pode ser entendido como uma concretização da ideia apresentada em “O poema”, onde o poeta, atento e inspirado por uma visão súbita, captura a essência do momento e a transforma em poesia.

A relação entre os dois poemas pode também estar na ideia de atenção e sensibilidade necessárias para captar e criar algo sublime e transitório. No poema “Surf”, o surfista representa essa figura atenta que, mesmo num meio instável e passageiro como a água e a espuma, consegue criar algo que transcende o tempo e o espaço, assim como o poeta em “O poema”, que está sempre atento, mesmo quando distraído, captando e dando sentido ao que é passageiro e efémero, como o vento. Neste sentido, ambos os poemas enfatizam a ideia de que a criação artística, seja na forma de poesia ou surf, é um ato de sensibilidade e atenção ao momento presente, capturando o efémero e transformando-o em algo duradouro e significativo. A transitoriedade do vento no poema “O poema” e a espuma no poema “Surf” simbolizam a natureza fugaz da inspiração e da criação, que o poeta ou o surfista consegue eternizar através da sua arte.

 

Nazaré, © Jorge Leal

Poema da terra adubada, António Gedeão

 

Poema da terra adubada

Por detrás das árvores não se escondem faunos, não.
Por detrás das árvores escondem-se os soldados
com granadas de mão.

As árvores são belas com os troncos dourados.
São boas e largas para esconder soldados.

Não é o vento que rumoreja nas folhas,
não é o vento, não.
São os corpos dos soldados rastejando no chão.

O brilho súbito não é do limbo das folhas verdes reluzentes.
É das lâminas das facas que os soldados apertam entre os dentes.

As rubras flores vermelhas não são papoilas, não.
É o sangue dos soldados que está vertido no chão.

Não são vespas, nem besoiros, nem pássaros a assobiar.
São os silvos das balas cortando a espessura do ar.

Depois os lavradores
rasgarão a terra com a lâmina aguda dos arados,
e a terra dará vinho e pão e flores
adubada com os corpos dos soldados.

 

António Gedeão, Linhas de força. Coimbra, Tip. da Atlântida Ed., 1967

 

Linhas de leitura sobre o "Poema da terra adubada":

O poema "Poema da terra adubada" de António Gedeão apresenta uma reflexão sobre a guerra e as suas consequências, utilizando a natureza como um meio para expressar a violência e a morte que acompanham os conflitos armados. Composto por sete estrofes, o poema contrasta imagens da natureza com a presença e as ações dos soldados, sublinhando a desumanização e a brutalidade da guerra.

O poema começa com uma negação: “Por detrás das árvores não se escondem faunos, não.” Essa negação cria um contraste entre a expectativa (faunos) e a realidade (soldados). As árvores, inicialmente descritas como belas e douradas, tornam-se o esconderijo dos soldados com granadas de mão. Essa dicotomia introduz imediatamente o tema da guerra, substituindo a inocência e a paz da natureza pela violência e agressão humana.

Na segunda estrofe, as árvores, elementos naturais e esteticamente agradáveis, são descritas como utilitárias para a guerra. A beleza natural é pervertida pelo uso militar, reforçando a ideia de que a guerra corrompe até mesmo a natureza.

Na terceira estrofe, o sujeito poético substitui o som natural do vento pelo movimento furtivo dos soldados. Esse verso sublinha a presença constante e perturbadora da guerra, mesmo em ambientes que deveriam ser tranquilos.

Na quarta estrofe, o sujeito poético utiliza uma imagem de luz, tradicionalmente associada à vida e à natureza, para descrever o brilho das lâminas das facas - o brilho súbito nas folhas verdes não é natural; é das lâminas das facas que os soldados seguram entre os dentes. Esse contraste destaca a presença sinistra e letal da guerra.

A cor vermelha, associada a flores como as papoilas, é transformada em uma metáfora para o sangue derramado dos soldados. Assim, na quinta estrofe, visualizamos a morte de uma maneira brutal.

O som da natureza, que normalmente incluiria insetos e pássaros, é substituído, na sexta estrofe, pelo som das balas, reforçando a presença invasiva e destrutiva da guerra no ambiente natural.

Na estrofe final, o sujeito poético une a imagem da guerra com a agricultura, sugerindo que os corpos dos soldados tornar-se-ão fertilizante para a terra. Isso cria a imagem da guerra como um ciclo destrutivo que, paradoxalmente, alimenta a vida futura.

 

Poema da morte na estrada, António Gedeão

 

POEMA DA MORTE NA ESTRADA

Na berma da estrada, nuns quinhentos metros,
estão quinhentos mortos com os olhos abertos.

A morte, num sopro, colheu-os aos molhos.
Nem tiveram tempo para fechar os olhos.

Eles bem sabiam dos bancos da escola
como os homens dignos sucumbem na guerra.
Lá saber, sabiam.
A mão firme empunhando a espada ou a pistola,
morrendo sem ceder nem um palmo de terra.

Pois é.
Mas veio de lá a bomba, fulgurante como mil sóis,
não lhes deu tempo para serem heróis.

Eles bem sabiam que o último pensamento
devia estar reservado para a pátria amada.
Lá saber, sabiam.
Mas veio de lá a bomba e destruiu tudo num só momento.
Não lhes deu tempo para pensar em nada.

Agora,
na berma da estrada, nuns quinhentos metros,
são quinhentos mortos com os olhos abertos.

 

António Gedeão, Linhas de força. Coimbra, Tip. da Atlântida Ed., 1967

 

Linhas de leitura sobre o "Poema da morte da estrada":

O título "Poema da morte na estrada" antecipa o tema central do poema: a morte súbita e indiscriminada provocada por um ataque aéreo, sublinhando a tragédia e a desumanização dos soldados. A narrativa poética desenvolve-se em torno da imagem de quinhentos mortos, distribuídos ao longo de uma estrada, uma representação da devastação causada pela guerra.

A estrutura do poema é marcada pela repetição quase literal da primeira estrofe na última. Essa repetição reforça a ideia de que a morte dos soldados foi repentina e irreversível. A mudança do verbo "estão" para "são" na última estrofe sublinha a permanência desta condição. A imagem dos olhos abertos sugere uma morte abrupta, sem tempo para reação ou preparação, acentuando a brutalidade do evento.

Na segunda e terceira estrofes, o sujeito poético descreve a morte rápida e inesperada dos soldados, em contraste com o que aprenderam sobre heroísmo nos "bancos da escola". A morte é personificada, atuando como uma entidade que "colheu-os aos molhos", ilustrando a natureza massiva e instantânea da tragédia. A ilusão de heroísmo é desfeita pela realidade brutal de uma guerra moderna onde não há tempo para gestos heroicos ou para o pensamento consciente antes da morte.

As quarta e quinta estrofes destacam a discrepância entre o conhecimento teórico dos soldados sobre a guerra e a realidade que enfrentaram. A bomba é descrita com uma hipérbole, "fulgurante como mil sóis", enfatizando o seu poder destrutivo e a intensidade do ataque. A repetição da frase "não lhes deu tempo" sublinha a rapidez e a brutalidade da morte, que nega qualquer possibilidade de heroísmo ou de reflexão final.

Análise dos recursos expressivos e do ritmo do poema

Personificação: “A morte, num sopro, colheu-os aos molhos.” No verso 3, a morte é descrita como uma entidade ativa e quase tangível, que ceifa vidas de forma impiedosa e inevitável.

Comparação e Hipérbole: “Mas veio de lá a bomba, fulgurante como mil sóis” – No verso 11, a comparação da bomba com "mil sóis" exagera seu brilho e poder destrutivo, acentuando a devastação e o terror que causou.

O ritmo do poema é predominantemente lento, refletindo a solenidade e a gravidade do tema tratado. No entanto, a introdução de versos mais curtos nas estrofes finais cria uma quebra no ritmo, destacando a ineficácia da aprendizagem dos soldados diante da realidade brutal da guerra moderna.

Conclusão

O poema aborda de maneira incisiva a fragilidade da vida, a brutalidade da guerra e a inevitabilidade da morte. A bomba fulgurante simboliza a violência e a destruição que podem extinguir vidas num instante, sem oportunidade para heroísmo ou reflexão. O tom sombrio e contemplativo do poema convida o leitor a refletir sobre a condição humana e a brevidade da existência, destacando a tragédia e a desumanização inerentes à guerra.

Escrevo o que lembro, Ivo Machado

Ivo Machado, "à proa do meu navio", Facebook, 12-12-2023

 

ESCREVO O QUE LEMBRO

à Madalena,
minha neta recém-nascida

Hoje nasceu uma estrela
depois tudo foi o que se sabe
de luz coberta
de amor cercada
estranhamente antes de alegria
outra forma de melancolia
oh, meu bem —
De mim o que te pertence?
tenhas todo o Tempo
(por mim passou depressa)
oh, minha estrela —
escrevo o que lembro
ah, contigo
nasci de novo.

Ivo Machado

Casa da Agudela, 9 de julho de 2024

Disponível em: https://www.facebook.com/share/p/pz8juXV7o87CTeQi/

 

Linhas de leitura sobre o poema “Escrevo o que lembro”, de Ivo Machado:

O poema inicia comparando o nascimento de Madalena ao surgimento de uma estrela. Essa estrela traz consigo luz e amor, simbolizando não apenas o nascimento físico, mas também um renascimento emocional para o sujeito poético.

Madalena é descrita como cercada de luz e amor. No entanto, há uma melancolia presente antes da alegria plena. Essa dualidade reflete a complexidade das emoções humanas diante de momentos significativos.

O sujeito poético expressa o desejo de que Madalena tenha “todo o Tempo”. Esta frase reconhece que o tempo passou depressa para ele e, ao mesmo tempo, reflete sobre a efemeridade da vida.

As expressões “luz coberta” e “amor cercada” simbolizam o desejo do poeta de proteger e cuidar da sua neta. Essa imagem sugere um ambiente seguro e acolhedor.

A pergunta “De mim o que te pertence?” explora o que do seu ser ele passará para ela, sugerindo uma herança emocional e espiritual.

A declaração "escrevo o que lembro" sublinha o papel do poeta como cronista das emoções, usando a escrita para preservar memórias e sentimentos.

Os termos afetuosos como “meu bem” e “minha estrela” revelam o profundo amor do sujeito poético por Madalena, destacando a importância dos laços familiares.

Apesar da melancolia e da passagem do tempo, o nascimento da neta Madalena traz uma renovação. É uma nova oportunidade de viver e sentir, marcando um momento significativo na vida do poeta.

Desfado, Ana Moura e Pedro da Silva Martins

 

DESFADO

Quer o destino que eu não creia no destino
E o meu fado é nem ter fado nenhum
Cantá-lo bem
sem sequer o ter sentido
Senti-lo como ninguém,
mas não ter sentido algum

Ai que tristeza, esta minha alegria
Ai que alegria, esta tão grande tristeza
Esperar que um dia
eu não espere mais um dia
Por aquele que nunca vem
e que aqui esteve presente

Ai que saudade que eu tenho de ter saudade
saudades de ter alguém que aqui está e não existe
Sentir-me triste só por me sentir tão bem
E alegre sentir-me bem só por eu andar tão triste

Ai se eu pudesse não cantar «ai se eu pudesse»
e lamentasse não ter mais nenhum lamento
Talvez ouvisse
no silêncio que fizesse
uma voz que fosse minha
cantar alguém cá dentro

Ai que desgraça esta sorte que me assiste
Ai mas que sorte eu viver tão desgraçada
Na incerteza
que nada mais certo existe
além da grande incerteza
de não estar certa de nada

Ai que saudade que eu tenho de ter saudade
saudades de ter alguém que aqui está e não existe
Sentir-me triste só por me sentir tão bem
E alegre sentir-me bem só por eu andar tão triste

 

Ana Moura, in Desfado. Letra e música de Pedro da Silva Martins

 

"Desfado", escrito por Pedro da Silva Martins e interpretado por Ana Moura, é um poema que subverte a tradição do fado português, oferecendo uma reflexão metalinguística sobre o próprio conceito de destino e saudade. Este texto não apenas celebra a ambivalência emocional característica do fado, mas também questiona e desconstrói as noções de destino, tristeza e alegria.

Desde o início, o poema estabelece uma relação paradoxal com o destino: "Quer o destino que eu não creia no destino / E o meu fado é nem ter fado nenhum". A palavra "fado" aqui carrega uma dupla conotação, referindo-se tanto ao destino inevitável quanto ao género musical tradicional. A negação do destino — ou a ideia de ter um fado "sem sentido algum" — desafia a fatalidade típica do fado, abrindo espaço para uma abordagem mais pessoal e subjetiva da existência.

O poema prossegue com uma exploração profunda da dualidade emocional: "Ai que tristeza, esta minha alegria / Ai que alegria, esta tão grande tristeza". Esta ambiguidade emocional é central ao fado, mas aqui é elevada a um novo nível de introspeção. A justaposição de alegria e tristeza cria uma tensão que revela a complexidade das emoções, refletindo a incerteza e a instabilidade da vida.

A saudade, um tema recorrente no fado, é abordada de maneira inovadora: "Ai que saudade que eu tenho de ter saudade / saudades de ter alguém que aqui está e não existe". A saudade de uma ausência presente sugere uma nostalgia paradoxal, onde o sujeito lírico anseia por uma ligação com alguém que nunca esteve verdadeiramente presente. Este sentimento de ausência dentro da presença destaca a fragilidade das relações e a constante busca por significado.

Uma das características mais marcantes do poema é a sua reflexão sobre o próprio ato de cantar o fado: "Ai se eu pudesse não cantar 'ai se eu pudesse' / e lamentasse não ter mais nenhum lamento". Esta autocrítica sugere um desejo de transcender as limitações do gênero e encontrar uma voz autêntica dentro do silêncio. A voz que "fosse minha" representa a busca por uma identidade própria, distinta das tradições impostas.

O poema conclui com uma meditação sobre a incerteza: "Na incerteza / que nada mais certo existe / além da grande incerteza / de não estar certa de nada". Este reconhecimento da incerteza como a única certeza da vida reflete um profundo existencialismo. A aceitação da incerteza não é apenas uma resignação, mas uma afirmação da liberdade individual e da complexidade da experiência humana.

Fundo do Mar, Sophia de Mello Breyner Andresen

 

Vamos analisar como a imagem do "fundo do mar" é trabalhada como metáfora em cinco poemas de Sophia de Mello Breyner Andresen ("Fundo do Mar", "Gráfico", "Assassinato de Simonetta Vespucci", "Caminho da Índia" e "Da Transparência"), revelando-se como um símbolo de beleza e perigo, renascimento, desolação, memória histórica ou introspeção.

 

FUNDO DO MAR

No fundo do mar há brancos pavores,
Onde as plantas são animais
E os animais são flores.

Mundo silencioso que não atinge
A agitação das ondas.
Abrem-se rindo conchas redondas,
Baloiça o cavalo-marinho.
Um polvo avança
No desalinho
Dos seus mil braços,
Uma flor dança,
Sem ruído vibram os espaços.

Sobre a areia o tempo poisa
Leve como um lenço.

Mas por mais bela que seja cada coisa
Tem um monstro em si suspenso.

 

Sophia de Mello Breyner Andresen, POESIA, 1.ª ed., 1944, Coimbra, Edição da Autora; 2.ª ed., 1959, Lisboa, Edições Ática; 3.ª ed., Poesia I, 1975, Lisboa, Edições Ática; 4.ª ed., revista, 2003, Lisboa, Editorial Caminho; 5.ª ed., revista, 2005, Lisboa, Editorial Caminho; 6.ª ed., 2007, Lisboa, Editorial Caminho. 1.ª edição na Assírio & Alvim (7.ª ed.), Lisboa, 2013, prefácio de Pedro Eiras.

 

No poema "Fundo do Mar", Sophia de Mello Breyner Andresen pinta o fundo do mar como um local de maravilha e de terror simultâneos. O sujeito poético descreve um mundo onde "as plantas são animais / E os animais são flores", subvertendo as expectativas do leitor sobre a ordem natural das coisas. Este mundo subaquático é silencioso, afastado da agitação da superfície, e habitado por criaturas como o cavalo-marinho e o polvo, cujos movimentos são retratados com uma graça quase etérea. Contudo, a beleza deste lugar esconde um perigo latente, simbolizado pelo "monstro em si suspenso". A imagem do "tempo poisa / Leve como um lenço" sobre a areia sugere uma passagem tranquila do tempo, mas não elimina a presença constante do perigo. Este poema utiliza o fundo do mar como uma metáfora para a dualidade da existência, onde a beleza e a ameaça coexistem.

 

Cianómetro 

GRÁFICO

I

Curva dos espaços, curva das baías,
Vida que não é vida com os gestos inúteis,
Quem me consolará do meu corpo sepultado?

II

Mostrai-me as anémonas, as medusas e os corais
Do fundo do mar.
Eu nasci há um instante.

III

A mulher branca que a noite traz no ventre
Veio à tona das águas e morreu.

IV

Chego à praia e vejo que sou eu
O dia branco.

 

Sophia de Mello Breyner Andresen, CORAL, 1.ª ed., 1950, Porto, Livraria Simões Lopes; 2.ª ed., s/d [c. 1979], Lisboa, Portugália Editora; 3.ª ed., s/d [c. 1980], Lisboa, Portugália Editora, ilustrações de José Escada; 4.ª ed., revista, 2003, Lisboa, Editorial Caminho; 5.ª ed., revista, 2005, Lisboa, Editorial Caminho. 1.ª edição na Assírio & Alvim (6.ª ed.), Lisboa, 2013, prefácio de Manuel Gusmão.

 

No poema "Gráfico", o fundo do mar aparece na segunda estrofe como um local de nascimento e descoberta: "Mostrai-me as anémonas, as medusas e os corais / Do fundo do mar. / Eu nasci há um instante." Aqui, o fundo do mar é associado com o início da vida e a novidade, contrapondo-se à sensação de sepultamento do corpo mencionada na primeira estrofe. A referência a este espaço subaquático sugere uma busca por renovação e um desejo de ligação à essência primordial da vida. O fundo do mar torna-se, assim, um símbolo de regeneração e exploração, contrastando com a estática e a inutilidade dos "gestos inúteis" da superfície.

 

ASSASSINATO DE SIMONETTA VESPUCCI

[I]

Homens
No perfil agudo dos quartos
Nos ângulos mortais da sombra com a luz.

Vê como as espadas nascem evidentes
Sem que ninguém as erguesse — de repente.

Vê como os gestos se esculpem
Em geometrias exatas do destino.

Vê como os homens se tornam animais
E como os animais se tornam anjos
E um só irrompe e faz um lírio de si mesmo.

Vê como pairam longamente os olhos
Cheios de liquidez, cheios de mágoa
De uma mulher nos seus cabelos estrangulada.

E todo o quarto jaz abandonado
Cheio de horror e cheio de desordem.
E as portas ficam abertas,
Abertas para os caminhos
Por onde os homens fogem,
No silêncio agudo dos espaços,
Nos ângulos mortais da sombra com a luz.

[II]

Caminhava fito.
Sobre o seu ombro esquerdo
Um pássaro noturno e verde não cantava.
Obscuras correntes,
Desconhecidas direções do vento,
Secreto curso de estrelas invisíveis.

[III]

Tu e eu vamos
No fundo do mar
Absortos e correntes e desfeitos.
Agora és transparente
À tona do teu rosto vêm peixes
E vens comigo
Morto, morto, morto,
Morto em cada imagem.

 

Sophia de Mello Breyner Andresen, CORAL, 1.ª ed., 1950, Porto, Livraria Simões Lopes; 2.ª ed., s/d [c. 1979], Lisboa, Portugália Editora; 3.ª ed., s/d [c. 1980], Lisboa, Portugália Editora, ilustrações de José Escada; 4.ª ed., revista, 2003, Lisboa, Editorial Caminho; 5.ª ed., revista, 2005, Lisboa, Editorial Caminho. 1.ª edição na Assírio & Alvim (6.ª ed.), Lisboa, 2013, prefácio de Manuel Gusmão.

 

No terceiro segmento do poema "Assassinato de Simonetta Vespucci", o fundo do mar é utilizado para evocar um sentido de desolação e morte: "Tu e eu vamos / No fundo do mar / Absortos e correntes e desfeitos." A imagem é carregada de melancolia e resignação, sugerindo uma união na morte ou no esquecimento. Os versos seguintes reforçam esta visão de desintegração: "Agora és transparente / À tona do teu rosto vêm peixes / E vens comigo / Morto, morto, morto". A repetição da palavra "morto" intensifica o sentimento de aniquilação. Neste contexto, o fundo do mar serve como um cenário de perda e de dissolução da identidade, em contraste com a vida vibrante e a descoberta presentes em outros poemas.

Retrato póstumo de Simonetta Vespúcio por Sandro Botticelli

Trata-se de um poema ambíguo, pois Simonetta Vespucci (1453-1476), embora tenha sido uma figura histórica real, não morreu assassinada, mas sim de tuberculose. Conhecida como uma das mulheres mais belas de Florença, Simonetta foi musa de artistas como Sandro Botticelli (1445-1510), que supostamente a retratou como figura central em suas obras "A Primavera" e "O Nascimento de Vénus" (ambas na Galleria degli Uffizi, Florença, Itália). A hipótese de que Sophia de Mello Breyner Andresen "assassina" Simonetta metaforicamente no poema pode ser explorada como uma maneira de abordar a destruição de uma idealização ou a confrontação de uma beleza eterna e imaculada com a realidade da morte e da desintegração. Esta "morte" poética de Simonetta pode representar a tentativa da autora de desconstruir a imagem idealizada e intocável que Botticelli e outros artistas perpetuaram, trazendo à tona a mortalidade e a vulnerabilidade inerentes a qualquer ser humano, por mais idealizado que seja. 

 

CAMINHO DA ÍNDIA

I

Ante o seu rosto pára a história
E detém-se o exército dos ventos
Tinha o futuro por memória.

Coração atento em frente à linha lisa
Do horizonte
Vontade inteira e precisa
Exato pressentimento.

II

Que no largo mar azul se perca o vento
E nossa seja a nossa própria imagem.

Desejo de conhecimento
As tempestades deram-nos passagem.

E os lemes quebrados dos capitães mortos
E os náufragos azuis do fim do mundo
Na rota de todos os portos
No fundo do mar profundo
Com os seus braços ossos
E seus verdes destroços
Marcaram o caminho.

 

Sophia de Mello Breyner Andresen, NO TEMPO DIVIDIDO, 1.ª ed., 1954, Lisboa, Guimarães Editores; 2.ª ed., 1985, in No Tempo Dividido e Mar Novo, Lisboa, Edições Salamandra, ilustração de Arpad Szenes; 3.ª ed., revista, 2003, Lisboa, Editorial Caminho; 4.ª ed., revista, 2005, Lisboa, Editorial Caminho. 1.ª edição na Assírio & Alvim (5.ª ed.), Lisboa, 2013, prefácio de Federico Bertolazzi.

 

No poema "Caminho da Índia", o fundo do mar aparece como um local histórico e mítico: "E os lemes quebrados dos capitães mortos / E os náufragos azuis do fim do mundo / Na rota de todos os portos / No fundo do mar profundo". Aqui, o fundo do mar é um repositório de memórias e de restos de jornadas passadas. É um lugar onde se depositam os vestígios das grandes explorações e das tragédias marítimas. A imagem dos "lemes quebrados" e dos "náufragos azuis" evoca a história e a tragédia dos exploradores que se aventuraram nas águas desconhecidas. O fundo do mar, neste poema, é uma metáfora para o legado da exploração e para a inevitável mortalidade daqueles que ousam desafiar o desconhecido.

 

 

DA TRANSPARÊNCIA

Senhor libertai-nos do jogo perigoso da transparência
No fundo do mar da nossa alma não há corais nem búzios
Mas sufocado sonho
E não sabemos bem que coisa são os sonhos
Condutores silenciosos canto surdo
Que um dia subitamente emergem
No grande pátio liso dos desastres

 

Sophia de Mello Breyner Andresen, GEOGRAFIA, 1.ª ed., 1967, Lisboa, Edições Ática; 2.ª ed., 1972, Lisboa, Edições Ática; 3.ª ed., 1990, Lisboa, Edições Salamandra, ilustração de Xavier Sousa Tavares; 4.ª ed., revista, 2004, Lisboa, Editorial Caminho. 1.ª edição na Assírio & Alvim (5.ª ed.), Lisboa, 2014, prefácio de Frederico Lourenço.

 

Por fim, em "Da Transparência", o fundo do mar é utilizado como uma metáfora para a alma humana: "No fundo do mar da nossa alma não há corais nem búzios / Mas sufocado sonho". A ausência de corais e búzios — elementos típicos e belos do fundo do mar — sugere uma profundidade interna que é dominada pelo sonho e pela introspeção. Estes sonhos são descritos como "condutores silenciosos canto surdo / Que um dia subitamente emergem / No grande pátio liso dos desastres". A imagem do fundo do mar serve aqui para ilustrar a profundidade e a complexidade dos sonhos e desejos humanos, que são ocultos e só emergem em momentos de crise ou de revelação.

 

Praia (Os pinheiros gemem quando passa o vento), Sophia de Mello Breyner Andresen

 

 

PRAIA

 

Os pinheiros gemem quando passa o vento
O sol bate no chão e as pedras ardem.

Longe caminham os deuses fantásticos do mar
Brancos de sal e brilhantes como peixes.

Pássaros selvagens de repente,
Atirados contra a luz como pedradas,
Sobem e morrem no céu verticalmente
E o seu corpo é tomado nos espaços.

As ondas marram quebrando contra a luz
A sua fronte ornada de colunas.

E uma antiquíssima nostalgia de ser mastro
Baloiça nos pinheiros.

 

Sophia de Mello Breyner Andresen, Coral, 1.ª ed., 1950, Porto, Livraria Simões Lopes; 2.ª ed., s/d [c. 1979], Lisboa, Portugália Editora; 3.ª ed., s/d [c. 1980], Lisboa, Portugália Editora, ilustrações de José Escada; 4.ª ed., revista, 2003, Lisboa, Editorial Caminho; 5.ª ed., revista, 2005, Lisboa, Editorial Caminho. 1.ª edição na Assírio & Alvim (6.ª ed.), Lisboa, 2013, prefácio de Manuel Gusmão.

 

 

Intertextualidade

O poema “Praia”, de Sophia Andresen, estabelece um diálogo intertextual com os poemas “Horizonte” e “D.Dinis”, de Fernando Pessoa, ambos presentes na Mensagem. 

 

D. DINIS 

Na noite escreve um seu Cantar de Amigo
O plantador de naus a haver,
E ouve um silêncio múrmuro consigo:
É o rumor dos pinhais que, como um trigo
De Império, ondulam sem se poder ver.

Arroio¹, esse cantar, jovem e puro,
Busca o oceano por achar;
E a fala dos pinhais, marulho² obscuro,
É o som presente desse mar futuro,
É a voz da terra ansiando pelo mar.

9-2-1934
Mensagem. Fernando Pessoa. Lisboa: Parceria António Maria Pereira, 1934

 

HORIZONTE 

Ó mar anterior a nós, teus medos
Tinham coral e praias e arvoredos.
Desvendadas a noite e a cerração³,
As tormentas passadas e o mistério,
Abria em flor o Longe, e o Sul sidério⁴
Esplendia sobre as naus da iniciação.

Linha severa da longínqua costa —
Quando a nau se aproxima ergue-se a encosta
Em árvores onde o Longe nada tinha;
Mais perto, abre-se a terra em sons e cores:
E, no desembarcar, há aves, flores,
Onde era só, de longe a abstrata linha.

O sonho é ver as formas invisíveis
Da distância imprecisa, e, com sensíveis
Movimentos da esperança e da vontade,
Buscar na linha fria⁵ do horizonte
A árvore, a praia, a flor, a ave, a fonte —
Os beijos⁶ merecidos da Verdade⁷.

s.d.
Mensagem. Fernando Pessoa. Lisboa: Parceria António Maria Pereira, 1934 (Lisboa: Ática, 10ª ed. 1972).  - 58. Disponível em: http://arquivopessoa.net/textos/2380

 

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Notas: 1 Arroio: regato. 2 Marulho: mar + barulho; agitação das ondas. ³ Cerração: nevoeiro denso; escuridão; trevas. ⁴ Sidério: sidéreo; sideral, astral, celeste. ⁵ “aquela fria / luz que precede a madrugada, / E é já o ir a haver o dia / Na antemanhã, confuso nada” (in “Viriato”) – fronteira entre o desconhecido e o conhecido. ⁶ Beijos – recompensa. ⁷ Verdade – conhecimento.

 

 

Para identificar as imagens no poema “Praia” de Sophia de Mello Breyner Andresen que parecem ter sido inspiradas pelos poemas “Horizonte” e “D. Dinis” de Fernando Pessoa, é importante analisar os temas e as metáforas partilhadas entre os textos.

A "antiquíssima nostalgia de ser mastro" (v. 11) que baloiça nos pinheiros sugere uma ligação com o passado marítimo de Portugal, evocando a era dos Descobrimentos e a exploração dos mares. Esta linha de pensamento liga-se com os poemas “D. Dinis” e “Horizonte”.

No poema “D. Dinis”, Pessoa explora a ligação entre a terra e o mar, simbolizada pelos pinhais que "ondulam sem se poder ver". A imagem dos pinhais, presente em ambos os poemas, serve como um ponto de conexão. Em “Praia”, os pinheiros baloiçam com nostalgia, enquanto em “D. Dinis”, eles são a voz da terra ansiando pelo mar. Ambos os textos utilizam a natureza para meditar sobre a história e a identidade nacional, evocando um sentimento de saudade em “Praia” e o desejo de exploração em “D. Dinis”.

“Horizonte” também reflete um desejo de descoberta e transcendência. A ideia de um mar mítico e ancestral presente em ambos os poemas sugere uma intertextualidade. Pessoa escreve sobre o mar como um espaço anterior a nós, cheio de medos e mistérios que, uma vez desvendados, revelam uma beleza sublime. A descrição da linha severa da costa que se revela em árvores, aves e flores quando a nau se aproxima reflete um processo de revelação e desvendamento. Os pássaros de Sophia, apesar de terem uma conotação mais trágica, ainda se relacionam com a descoberta e a revelação, semelhante ao desembarque descrito por Pessoa. As ondas de Sophia (vv. 9-10) quebram contra a luz, criando uma imagem forte e arquitetónica, enquanto Pessoa descreve a revelação da paisagem à medida que a nau se aproxima (vv. 8-10). Em ambos os casos, há uma transformação visual da natureza com a proximidade e a luz.

 

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